Le Sanjûsangen-dô est un des plus beaux temples de Kyoto (pour tout avouer, c’est mon préféré). Petite présentation pour que vous ne passiez pas à côté de ce bijou, qui n’est étrangement pas l’un des temples les plus connus de l’ancienne capitale japonaise.

Les plus beaux endroits ne sont pas toujours les plus connus. Pour moi, cette logique s’applique parfaitement aux temples de Kyoto. Bien sûr, le Kinkakuji, ou temple d’or, est un très bel endroit à visiter, mais vous ne pourrez pas l’approcher de près, ni rentrer à l’intérieur. Bien sûr, la plate-forme du Kiyomizu-dera est impressionnante, et son histoire est à la fois inquiétante et incroyable. Mais, pour moi, si vous ne deviez voir qu’un temple de Kyoto, je vous conseillerais d’aller voir le Sanjûsangen-dô.

La photo située en haut de cette page montre trois des 1000 statues de bois doré de Senju Kannon situées dans le temple. Oui, vous avez bien lu, je parle de mille statues, toutes très légèrement différentes. Il y a également trente autres statues, des 28 protecteurs de Kannon et des dieux du vent et de la foudre, que l’on trouve souvent sur les portes japonaises et une statue principale située au centre. Et comme cet endroit est relativement peu connu, vous auriez pu manquer ce millier de statues cachées dans un temple très long mais d’apparence toutefois modeste.

Où se trouve le Sanjûsangen-dô ?

Le Sanjûsangen-dô est non seulement un superbe temple, mais il a aussi l’avantage d’être relativement proche de la gare, à environ 20 minutes à pied. Le trajet n’étant pas désagréable et la circulation autour de la gare étant généralement un peu compliquée, je vous conseille d’y aller à pied.

Pour ceux qui veulent le trouver lors de leur prochain voyage à Kyoto, vous pouvez facilement vous repérer via ce lien google maps vers le Sanjûsangen-dô.

Comme le Sanjûsangen-dô n’est pas aussi connu que le Kiyomizu-dera ou le Kinkakuji, on trouve peu d’indications pour y aller et il n’y a pas de boutiques à proximité. Mais vous trouverez tout de même facilement l’une des deux entrées, toutes les deux au nord du temple. Comme le temple est entourré d’un mur, il n’est pas possible de le voir sans entrer. Et de toute manière, son véritable intérêt se situe à l’intérieur.

Histoire du Sanjûsangen-dô

L’histoire du Sanjûsangen-dô est vraiment étonnante. Son nom signifie « hall de 33 gen » (prononcez « guèn »), le gen étant l’unité de mesure qui sépare deux de ses colonnes (sanjûsan signifie 33). Cette distance est importante, puisqu’un grand concours de tir à l’arc est organisé d’un bout à l’autre du temple chaque année. Le défi principal est de tirer le maximum de flèches sur une cible située de l’autre côté du temple, soit environ 60m plus loin (les arcs traditionnel japonais ayant une puissant de tir relativement faible, il est extrêmement compliqué d’atteindre une cible située à cette distance). Vous pouvez voir de belles photos de cette compétition sur cet article du site LeJapon.fr sur le concours du Sanjûsangen-dô

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Paradoxe de ce temple : on se focalise sur une vingtaine de statues et on en oublierait presque les 1000 statues situées derrière

Outre cette tradition qui perdure depuis près de 400 ans, le Sanjûsangen-dô a également une très belle histoire concernant sa construction, puisque la création des statues aurait été le travail de plusieurs générations d’artisans, une seule vie n’étant pas assez pour  se former, puis créer un millier de statues de ce genre. Le temple ayant malheureusement brûlé une fois au XIII° siècle, toutes les statues ne sont pas de la même époque.

Pour les amateurs de sabre et de combat, l’un des duels les plus célèbres de Musashi Miyamoto (réputé le plus grand samouraï de l’histoire du Japon), celui avec Yoshioka Denshichirō, se serait déroulé juste devant le Sanjûsangen-dô.

La fameuse longueur de 33 "gen", c'est-à-dire les 33 espaces entre deux colonnes

Dernier élément de l’histoire du Sanjûsangen-dô, celui-ci était peint à l’origine. Il y avait également de petits miroirs ronds à l’intérieur. Ainsi, les mille statues dorées, la peinture et les miroirs, qui reflétaient tous la lumière, avaient pour but de présenter aux visiteurs une image du paradis au lever du soleil. S’il n’est malheureusement plus possible de voir ce que cela donnait, on imagine facilement la scène incroyable à laquelle on devait assister, avec les reflets du soleil sur mille statues, des peintures colorées et des miroirs, mêlés aux couleurs superbes du lever du soleil. Si vous visitez le Sanjûsangen-dô, c’est cette image que je vous conseille de construire devant vos yeux, et vous comprendrez pourquoi il s’agit de mon temple préféré de Kyoto.

Mon avis sur le Sanjûsangen-dô

Comme je l’ai déjà dit plusieurs fois, le Sanjûsangen-dô est mon temple préféré de Kyoto (je sais, j’insiste lourdement, mais tout le monde va voir le Kinkakuji, qui est même jusque dans le logo de Kyototradition, alors que je préfère le Sanjûsangen-dô). Je trouve son histoire incroyable et les mille statues sont vraiment impressionnantes. S’il n’est plus resplendissant du fait de l’absence de peinture, de miroir et du fait du vieillissement des statues, on imagine facilement la merveille que cela devait être lorsqu’il faut construit. Il est vrai que ce temple n’est pas très beau vu de l’extérieur et que l’espace qui l’entoure est assez quelconque comparé à de nombreux autres endroits de Kyoto. Mais l’aspect incroyable des 1000 statues différentes, créées par plusieurs générations d’artisans, vaut définitivement le détour. C’est également le seul temple de ce genre qu’il m’ait été donné de voir et d’ailleurs, si le Sanjûsangen-dô rappelle d’autres monuments, japonais ou non, à certains d’entre vous, je serais vraiment heureux que vous m’en fassiez part dans les commentaires. Je pense que le mausolée de l’empereur Qin, en Chine, doit avoir un aspect encore plus impressionnant par sa taille, mais sans doute moins enchanteur du fait de son absence de couleurs.

Photos:

Derrière les fleurs : Wakanmuri

Intérieur du temple: Miguel Michan

Vue de la longueur du temple : Fletcherjcm

Découvrez le noeud de obi pour femme le plus populaire au Japon : le noeud Bunko

Pour celles qui n’ont ni obi, ni yukata, suivez les liens !

Yukata et obi pour femme

Le noeud de obi que je vous propose d’apprendre aujourd’hui est le noeud Bunko. Ce noeud a l’avantage d’être à la fois simple à apprendre et très élégant. Sa forme de papillon le rend très facilement reconnaissable et si vous allez dans des matsuri, les festivales d’été au Japon, vous en verrez beaucoup. L’explication est tout d’abord donnée sous forme d’images avec des commentaires, puis à l’aide d’un film qui montre tout le processus.

Certaines personnes utilisent un cordon afin de fermer le yukata avant de mettre le obi. Marine, qui nous fait une démonstration dans cet article, n’en utilise pas. Il s’agit plus d’une question de goût et d’habitude que d’une recommandation.

La première étape est de plier environ 50cm de votre obi en deux dans le sens de la longueur. Pour celles qui ont un obi de deux couleurs, la couleur visible sera la couleur extérieure.

Posez ensuite l’endroit où le obi se plie au niveau de votre nombril. Si vous commencez un peu plus à droite ou un peu plus à gauche, cela ne posera pas de véritable problème car le noeud sera ensuite tourné derrière vous. Mais l’endroit le plus simple lorsque vous faites le noeud vous-même est le nombril.

Faites ensuite un premier tour autour de votre taille. Attention, il faut que la partie pliée du obi sorte par le haut et non par en dessous (sinon vous serez bloquées plus tard).

Le nombre de tour dépend de la longueur de votre obi et de votre tour de taille. Il n’y a pas de véritable règle puisque cela dépend de si vous voulez un noeud très ample ou non. Vous pouvez prendre le sol comme repère : le bout du obi doit toucher le seul ou ne pas en être loin. Mais comme je viens de l’écrire, cela peut varier en fonction de vos goûts alors n’hésitez pas à tester les deux possibilités si vous hésitez entre deux nombre de tours.

Pliez ensuite la partie restante du obi. Pour une question d’esthétique, il est conseillé de plier de manière progressive (plus d’explications ci-dessous)

Comme le montre cette photo, la pliure est progressive. Elle sert avant tout à avoir un noeud fin dans l’étape suivante. La pliure sera cachée vers la fin du noeud mais comme elle est parfois un peu visible, il vaut mieux qu’elle soit élégante. Remarquez également l’importance d’avoir l’autre partie du obi qui sort par le dessus.

Faites alors un noeud simple avec les deux partie du obi. La partie pliée au tout début du noeud Bunko (première photo) dépasse encore par le dessus à la fin de cette étape.

Serrez ! Il vous sera difficile de resserrer le noeud après cette étape et la plupart des débutantes ont tendance à ne pas serrer assez. Évidemment, gardez de quoi respirer mais le noeud se détendra un peu ensuite alors n’hésiter pas à serrer un peu plus que nécessaire.

Lorsque vous venez de serrer, les deux parties du obi sont de chaque côté de votre taille (à droite et à gauche). Il vous les mettre en haut et en bas. Pour cela, tournez simplement le noeud (en le gardant serré) La partie pliée en deux au début (image 1) se trouve maintenant en haut. Vous pouvez la relâcher et la laisser tomber devant votre nombril.

Prenez l’autre partie, qui est normalement la plus longue et dépasse par en dessous. Mesurez environ la longueur de vos épaules au bout de celle-ci (ou un peu moins).

Pliez la longue partie sur elle-même en gardant la largeur de vos épaules comme repère.

Vous obtenez un morceau un peu plus petit que la largeur de vos épaules relié sur lui-même. Posez-le sur votre nombril.

Prenez ce morceau à son milieu et serrez votre main afin « d’écraser » le milieu du morceau. Prenez l’autre partie (qui dépasse par le dessus) et entourez la le « papillon » obtenu.

Faite un premier tour qui entoure simplement la partie pliée. N’hésitez pas à serrer.

Vous pouvez également prendre une première « couche » de votre obi lorsque vous faites votre tour. Les deux version sont possibles.

Faites un deuxième tour et passez cette fois en dessous du obi. Vous devriez obtenir une situation comparable à la photo ci-dessus.

Prenez le bout qui dépasse en bas en entourez tout. Bloquez le à l’intérieur : si votre obi est assez serré, il n’y a pas de raison qu’il bouge !

Vous pouvez lâcher ! Votre noeud est prêt mais il peut être « arrangé » un peu.

Remettez les « ailes du papillon » bien droite, arrangez les détails qui vous chiffonnent et faites faire un demi tour vers la droite à votre noeud pour l’avoir dans le dos et non plus devant vous.

Vous être fière de vous ! Vous avez un superbe noeud Bunko sur le dos !

Ce film montre l’exécution du noeud. Ceux qui sont venus à notre stand à la Japan Expo 2011 reconnaîtront peut-être Marine, qui y faisait les noeuds pour femmes.  Ce n’est certainement pas le meilleur noeud qu’elle n’ait jamais fait (elle ne voulait pas vous mettre la pression ^^), mais cela vous aidera certainement à faire le vôtre :

Ce noeud est uniquement pour les femmes. Pour les hommes, je vous recommande plutôt le noeud de obi Kai no Kuchi, mixte.

京都ツラヂチョンでまたね。

(à bientôt sur Kyototradition ! )

Bien que les deux principales écoles, Omotesenke et Urasenke, aient évoluées avec le temps et conservé leurs spécifiés, elles conservent néanmoins de nombreux points communs. Si l’école Urasenke et ses sous-écoles sont les plus actives et les plus suivies, toutes les écoles appelle l’hôte, homme ou femme, à porter un kimono. Les invités, en revanche, pourront également porter un kimono ou opter pour des vêtements sombres.

Chanoyu : Préparation de la cérémonie du thé

Avant de recevoir ses invités, le Maître du thé devra préparer la pièce au sein de laquelle se déroulera la cérémonie du thé. Il purifiera alors le service qui sera utilisé durant la cérémonie à l’aide de linges de soie.
Dans le même temps, les invités patienteront dans le traverse couverte du jardin avant de se purifier rituellement de la saleté du monde extérieur en se rinçant la bouche et en se lavant les mains dans un bassin en pierre.

Les invites pénètreront ensuite dans l’alcôve (« tokonoma« ) dont l’entrée généralement basse et étroite amène les convives à se baisser. Tous sentiments de supériorité ou d’orgueil sont donc laissées à l’extérieur et la symbolique veut que les Samourai laissent leurs sabres hors de la maison du thé. Le tokonoma contient une oeuvre d’art, qui sera généralement une peinture ou calligraphie, et une composition florale. On y retrouve alors un foyer dont la mission est de faire bouillir l’eau du thé.

Le rituel de la cérémonie du thé au Japon

La cérémonie du the débutera par un « kaiseki« , un repas léger et servi dans sa forme la plus simple, à la suite duquel du saké sera servi aux invités. Dans le cas où aucun repas ne serait servi, les invités dégusteront quelques friandises enveloppées dans du kaishi, un papier spécial. La tradition veut que chaque invité apporte son propre kaishi, rangé près de la poitrine, dans une poche du kimono.

La preparation du the peut alors commencer et l’hôte placera une quantité précise de thé vert en poudre dans le bol à thé (« chawan« ) avant d’y verser l’eau chaude. Le thé sera ensuite « fouetté » à l’aide du chasen (« fouet« ) suivant des mouvements bien précis.

Les échanges verbaux sont réduits à leur stricte minimum, la cérémonie du thé au Japon ayant pour vertu première la détente et la relaxation. Il faut dire que le cadre y est propice, de même que l’atmosphère dans laquelle se mêlent vapeurs de thé et fumée d’encens.

Lorsque tous les invités ont bu le thé, ce sera l’invité d’honneur qui demandera à l’hôte de pouvoir faire circuler les ustensiles afin que chacun puisse les contempler, mais toujours avec une extrême précaution. Les plupart de ces objets ont bien souvent une valeur inestimable.

Les invités sont ensuite autorisés à quitter la maison du thé. Au total, une cérémonie du thé pourra durer de une à cinq heures. Cela dépendra essentiellement du type de repas et de thé(s) qui y seront servis.

Crédit photo : Wikimedia Commons

Si Noël est une fête de famille en Europe, c’est plutôt la fête des amoureux au Japon. Traditionnellement, on y fête Nouvel An en famille et Noël en couple ou avec des amis. Les japonais font également des cadeaux aux enfants à Noël et l’histoire du père Noël y a été « importée » par les occidentaux. Une anecdote amusante sur le Noël japonais est l’importance de la marque KFC, chez laquelle des millions de japonais commandent le soir du réveillon. Il semble que cette particularité vient des expatriés occidentaux, qui n’arrivaient pas à trouver de dinde entière à Noël et les commandaient donc chez KFC. Que cette explication soit réelle ou non, il n’en demeure pas moins que les commandes de KFC atteignent des sommets au moment de Noël.

Merci à tous ceux qui auront mis nos produits sous le sapin ! La période de Noël est toujours assez chargée, tant pour nous que pour la poste, et nous espérons que vous avez tous reçu vos produits à temps. Nous avons fait notre maximum pour y arriver.

Encore joyeux Noël et à bientôt sur Kyototradition !

Crédit photo : MShades – Les connaisseurs auront reconnu la gare de Kyoto

Découvrez Hokusai, le créateur d’estampes le plus célèbre de l’histoire du Japon, à qui l’on doit « La grande vague » (Kanagawa oki namiura)

Si Hokusai Katsushika aimait à se surnommer « le Fou du dessin », c’est en partie en raison de l’incroyable quantité d’œuvres qu’il produisit. En effet, cet artiste doté d’une curiosité sans borne réalisa plusieurs milliers de dessins, d’estampes, de peintures, aux sujets de représentation variés. Outre sa phénoménale capacité de travail, c’est un style particulier, synthèse entre l’influence de ses origines orientales et un attrait durable pour l’Occident qui suscita l’admiration de nombreux artistes européens, comme Van Gogh ou Monet. Sa plus célèbre illustration reste son chef-d’œuvre, Les Trente-six vues du mont Fuji, série de 46 estampes dont les dates d’édition varient entre 1831 et 1833. Pour le poète et penseur Kenneth White,  « le thème des Trente-six vues du Mont Fuji est le rapport entre l’homme et la nature, et la plus grande invitation à approfondir ce rapport se trouve là, justement, où l’homme n’est pas représenté (ce qui ne l’empêche pas d’être présent – à travers l’œil du spectateur) ». Ce volcan, célèbre de par sa présence dans de nombreuses légendes et peintures japonaises, est ici mis en scène de façon novatrice puisque l’artiste s’applique à le représenter sous un angle de vue et de lumière constamment mouvants. Un autre changement de perspective fut introduit par l’élément eau, dépeint de façon complexe avec l’utilisation du bleu de Prusse, qui permit d’obtenir une profondeur de champ révolutionnaire pour le Japon de l’époque.

Une influence à double vitesse

Cet avant-gardisme fut salué par un grand succès public, d’une importance telle que dix planches supplémentaires furent rajoutées à l’édition originale. Mais si Hokusai fut l’un des artistes les plus célèbres de son temps, sa renommée se limitait à une certaine catégorie de la population japonaise, essentiellement composée de marchands et d’artisans. La classe aristocratique et le monde de la cour restèrent insensibles à son œuvre, tout comme les écoles d’art classique de Kyoto. En revanche, son influence fut considérable pour les arts décoratifs,  qui témoignent encore aujourd’hui de l’héritage d’Hokusai.

L’importance du Ukiyo-e

Pour comprendre la genèse de son œuvre, il est indispensable de retracer quelques étapes marquantes de sa jeunesse. Né en 1760 dans un faubourg d’Edo, Hokusai est adopté à l’âge de trois ans par un artisan d’art. Il fait alors rapidement montre d’un intérêt prononcé pour le dessin. Ainsi, durant son adolescence, il réalise un apprentissage (qui durera 5 ans) chez un xylographe, où il s’entraîne à graver lui-même les planches de bois. Après son départ, il travaille aux côtés de Katsukawa Shundo qui l’initie au Ukiyo-e, mouvement artistique dans lequel il excellera. Cet atelier représente une étape déterminante de sa vie d’artiste, puisque la technique du Ukiyo-e ne cessera d’influencer son œuvre. Les thèmes de l’érotisme, de la nature et de la tradition y sont en effet omniprésents et habitent la quasi-totalité des tableaux d’Hokusai.

Un éternel perfectionniste

Autoportrait, vers 1840-1849 ⁽²⁾

Aujourd’hui considéré comme maître incontestable de l’estampe, Hokusai jugeait avec sévérité son œuvre, au regard de ces quelques lignes tirées de la postface des Cents vues du mont Fuji : « Depuis l’âge de six ans, j’avais la manie de dessiner les formes des objets. Vers l’âge de cinquante, j’ai publié une infinité de dessins ; mais je suis mécontent de tout ce que j’ai produit avant l’âge de soixante-dix ans. (…) Par conséquent, à l’âge de quatre-vingts ans, j’aurai fait beaucoup de progrès, j’arriverai au fond des choses (…).Ecrit, à l’âge de soixante-quinze ans, par moi, autrefois Hokusai, aujourd’hui Gakyo Rojin, le vieillard fou de dessin. ». Son insatisfaction chronique le poussa à prononcer sur son lit de mort : « Encore cinq ans de plus et je serais devenu un grand artiste. » !

Sources :

⁽¹⁾ http://expositions.bnf.fr/japonaises/arret/07.htm

⁽²⁾ http://www.guimet.fr/HOKUSAI-l-affole-de-son-art-d

Les derniers mois ont été particuliers et il n’y avait plus de nouvel article sur le blog. Voici quelques explications et les priorités de Kyototradition dans les mois à venir

Cela fait plusieurs mois que je n’avais pas écrit sur ce blog. Ce m’a manqué (et j’espère que cela vous a manqué également). J’aurais sans doute dû expliquer un peu plus tôt ce qui s’est passé mais comme mieux vaut tard que jamais, voici le récit des évènements récents. Mais je souhaite avant toute chose préciser un élément très important pour moi : il n’y a eu aucune conséquence sur les commandes, puisque Kyototradition fait toujours passer ses clients en priorités. Je reviendrai d’ailleurs sur ce point, qui explique également pourquoi le blog a été un peu déserté.

Les évènements récents chez Kyototradition

J’ai créé Kyototradition il y a maintenant un an et demi. L’objectif de ce site est de lutter contre la disparition des savoir-faire traditionnels japonais en ouvrant le marché français aux artisans. Comme je l’ai expliqué dans l’article L’artisanat japonais est-il en voie de disparition ?, le problème principal est la transmission des savoir-faire car le marché actuel ne permet pas de prendre des apprentis. Ayant eu la chance de travailler auprès d’artisans japonais et ayant été touché par l’incroyable qualité de leurs produits, j’ai décidé de créer Kyototradition à mon retour en France. La première mission de ce site est donc la vente, car elle seule permettra aux artisans de prendre des apprentis.

La deuxième mission de ce site est de faire connaître l’artisanat japonais, d’expliquer la beauté de l’histoire qui se situe derrière chaque produit, tant l’histoire de l’artisan que l’Histoire, celle du Japon, de l’art, de la société japonaise et de comment tous ses éléments se retrouvent dans les produits de Kyototradition. Cette mission est primordiale, tant pour le plaisir des visiteurs, pour le plaisir de ceux qui n’ont malheureusement pas les moyens de découvrir les produits en vrai, pour augmenter la joie de ceux qui nous les commande et pour vous permettre à tous d’avoir un aperçu d’une culture superbe qui mérite d’être reconnue.

Je précise ces éléments pour que chacun puisse comprendre pourquoi j’ai décidé de faire passer la gestion des commandes bien avant le blog. Le blog est quelque chose auquel je tiens beaucoup, mais je devais aux clients qui attendent leurs produits de les faire passer en priorité et je devais aux artisans de faire mon maximum pour leur permettre de vendre leurs produits, même si cela devait parfois m’empêcher d’écrire.

Je n’ai pas eu le temps d’écrire ces derniers temps car deux éléments sont arrivés en même temps. Tout d’abord, Maud, qui avait rejoint Kyototradition peu après sa création et m’aidait beaucoup dans la gestion du site, a quitté la société pour des raisons personnelles. Merci à elle pour son travail pendant environ un an, et je lui souhaite la meilleure réussite pour ses prochains projets. Dans le même temps, j’ai eu la joie d’être accepté pour une année d’étude au MIT Sloan, une opportunité que je ne pouvais pas refuser. Je pensais que Maud s’occuperait de Kyototradition pendant mon absence, aidée par Romain et Jolan, mais la précipitation des évènements n’a pas permis à tout cela de s’enchaîner correctement. Une autre personne a failli me rejoindre, mais elle a également été acceptée pour des études qu’elles souhaitait faire depuis longtemps et n’avait pas le temps nécessaire pour m’aider à gérer le site.

N’ayant pas le temps de recruter quelqu’un en France et de le former correctement avant de partir, j’ai décidé de gérer la société depuis les Etats-Unis pendant mon année d’études. Bien sûr, cela n’est pas de tout repos et je n’ai pas eu le temps de m’occuper du blog, le suivi des commandes me prenant déjà beaucoup de temps (ce dont je suis d’une certains manière heureux puisque cela démontre la progression de Kyototradition depuis un an et demi).

Et maintenant ? Les projets des mois à venir

La période de Noël étant particulièrement chargée, il n’y aura pas de changement important dans la semaine à venir, mais Kyototradition va beaucoup évoluer dans les mois à venir. Le nouveau design dont j’avais déjà parlé il y a quelques mois et qui avait été mis en stand-by pour les raisons que j’évoque plus haut devrait pouvoir être terminé prochainement. Si je ne pourrai sans doute pas poster toutes les semaines, je vais essayer de poster mensuellement sur le blog. De nombreux nouveaux produits vont être ajoutés, puisque de nouveaux accords ont été trouvés avec nos fournisseurs, à qui j’ai donné un coup de main lors de la Comicon de New York. Je travaille également avec un de nos fournisseurs sur certains salons en France, mais il n’y a rien de sûr pour l’instant. Bref, Kyototradition repart pour de grands chantiers, avec une passion retrouvée après ce petit passage à vide !

Petite photo prise sur le stand de nos fournisseurs à la Comicon de New York. Désolé pour la qualité, la photo a été prise avec un téléphone portable…

Crédit photo:

Titre : Mal B

Aujourd’hui, on peut se procurer le tamahagane uniquement dans le Honshu ou il y est produit dans un fourneau : le Tatara. Le tamahagane est obtenu à partir d’un principe plutôt simple qui consiste à chauffer le fer à très haute température, dans le fameux tatara afin qu’il se combine avec le carbone environnant : c’est de cette façon qu’est obtenu l’acier japonais indispensable à la fabrication d’une lame.

Une fois qu’il s’est procuré sa matière première, le forgeron peut enfin exercer son art. Il faut tout de même savoir que la fabrication d’un sabre japonais requiert cinq semaines, c’est à dire plus d’un mois ! À partir de là on peut scinder la conception du sabre en trois étapes :

La forge

La partie la plus chronophage, elle dure environ un mois. Le forgeron va travailler son tamahagane de manière à obtenir de fines galettes d’acier. Ces galettes seront à nouveaux portées à très haute températures puis refroidies en étant plongées dans de l’eau froide. Ces galettes trempées seront à nouveaux divisées en de galettes plus petites.

Chaque galette est minutieusement examinée par le forgeron, celles à forte teneur en carbone (de couleur grise) seront utilisées afin de réaliser les parties extérieures et la pointe de la lame et celles à faible teneur en carbone (de couleur plutôt blanche) seront utilisées pour fabriquer le noyau de la lame ; les deux types de métal seront travaillés séparément.

Ces galettes seront à nouveau rassemblées et chauffées et martelées jusqu’à ce que l’artisan obtienne un bloc homogène. Ce bloc homogène sera lui même chauffé à blanc, martelé, replié sur lui même puis à nouveau chauffé à blanc et martelé. Ces actions exécutées à répétition permettront d’obtenir un bloc en forme de lame avec un métal déjà épuré.

La trempe (yaki-hire en japonais)

Elle est la seconde étape de la fabrication du sabre qui s’avère crucial dans la mesure ou elle permettra de différencier un bon sabre d’un sabre de qualité inférieure. C’est durant cette étape que sera obtenu le caractère qui confère au sabre souplesse et solidité. La trempe consiste à protégé le dos et les flancs de la lame, avec un mélange composé principalement d’argile de poudre de charbon et d’autres éléments variant selon les techniques de fabrication, pendant qu’on plonge la lame dans l’eau froide. Les parties protégées refroidiront lentement accordant ainsi à la lame son caractère souple alors que le tranchant de la lame non protégé se refroidira très rapidement attribuant à la lame la dureté recherchée.

Le Polissage

Il en existe deux sortes : le polissage grossier (kajitogi) effectué par le forgeron lui même afin de se rendre compte de la qualité de la lame et des éventuels défauts qui auraient pu subsisté et le polissage (jitogi et shiage  qui désigne en réalité les étapes de polissage effectué par le polisseur «togishi») réaliser par un véritable artisan polisseur, qui à l’aide de différentes pierres abrasives, polira la lame (comme si il l’aiguisait) afin de lui donner cet aspect esthétique aboutit que l’on connaît aux sabres japonais.

Enfin, grâce à ce procédé long et fastidieux sont obtenus des sabres japonais, figures de proue de l’artisanat nippon, relevant autant de l’objet d’art que de l’arme servant au combat. Aujourd’hui encore le savoir des forgerons japonais, loin d’être perdu, continue de se transmettre de maîtres à apprentis et les fabricants actuels n’ont absolument rien n’a envier à ceux d’autrefois en terme de technique et de qualité de leurs créations.

京都ツラヂチョンでまたね。

(à bientôt sur Kyototradition !)

photos :
Justin Ruckman
Vegas
Renfield

Chanoyu : Histoire de la cérémonie du thé au Japon

Au Japon, la cérémonie du thé est appelée chanoyu, ce qui signifie « eau de thé« . Les termes « sadô » et « chadō » peuvent également être utilisés et revoient plus spécifiquement à l’étude théorique de la cérémonie du thé et au système de pensée qui en découle.

Au sens large, on parlera de chaji pour désigner la cérémonie du thé dans son ensemble, incluant un repas léger (kaiseki), un thé léger (usucha) et un thé fort (koicha). Cette cérémonie dure quatre heures en moyenne. Nous nous intéresserons aujourd’hui à l’histoire associée à la cérémonie du thé japonaise.

Histoire associée au Chanoyu

Directement arrivés de Chine, c’est au VIe siècle les premiers théiers furent introduits au Japon. S’il fut longtemps réservé aux classes les plus aisées, le thé était avant tout apprécié pour ses vertus médicinales. Il faudra attendre le XIIe siècle pour que cette boisson se répande dans l’ensemble des monastères zen, sous l’impulsion du moine Eisai. Cette nouvelle forme de thé (matcha), est un thé vert en poudre dont les vertus permettaient aux moines de ne pas s’endormir lors des méditations.

Au cours du XIIIe siècle, les guerriers samouraï commencent à s’adonner à la préparation du thé matcha, première pierre à l’édifice de la cérémonie du thé.
Mais ce sera sous Toyotomi Hideyoshi (1536 – 1598) que la préparation du thé revêtira véritablement un aspect cérémonial.

Ce nouvel art, à proprement parler, commencera à se répandre dans l’ensemble de la société au cours de l’ère Edo (1600 – 1868). Au sein de « chaya » (maisons de thé » se trouvant à proximité des grands temples), la cérémonie du thé est alors considérée comme une « pratique de transformation ». Le concept Wabi (raffinement, sobriété et calme) sera alors utilisé pour caractériser la cérémonie du thé par l’humilité, la contrainte, la simplicité, le naturalisme, la profondeur, l’imperfection et l’asymétrie qui met en valeur la simplicité à travers des objets non-ornés, des espaces architecturaux et la célébration de la beauté que le temps et l’attention donne au matériaux. Le wabi vint alors mettre un terme au luxe clinquant de certaines réunions de thé antérieures.

Temple de Ankokuronji. Lieu traditionnel où se pratique la cérémonie du thé.

Au cours du XVIe siècle, la cérémonie est durablement inscrite à travers tous les niveaux de la société japonaise. Et Sen no Rikyū est sans doute la figure historique associée à la cérémonie du thé, suite à l’introduction du concept de ichi-go ichi-e, (« une fois, une rencontre« ). Le ichi-go ichi-e est une croyance selon laquelle chaque rencontre devrait être considérée comme un trésor non renouvelable. Ce sont ses enseignements qui ont conduit au développement de nouvelles formes d’arts, d’architecture et de jardin.

Crédit photo : Wikimédia Commons

Nous avons encore tous en mémoire les patronymes et les noms de codes, ainsi que les spectaculaires scènes de combats, sabre à la main, des personnages fictifs du célèbre film en deux volumes de Quentin Tarantino : Kill Bill. En dépit du talent avéré de son réalisateur, et des excellentes critiques qu’a engrangé cette œuvre, seul l’accent qu’elle met sur un objet inhérent à la culture japonaise nous y intéresse : le fameux sabre japonais dont la réputation n’est plus à faire.

Qu’en est-il réellement ? A l’instar de l’épée occidentale le sabre japonais est composé de trois parties : la poignée ou le manche, « tsuka » en japonais, la garde nommée « tsuba » et enfin la lame « burêdo » en langue nippone. La lame lorsqu’elle ne sert pas est protégée par un fourreau, « saya » en japonais. Contrairement aux épées occidentales les lames japonaises sont souvent dotées d’un seul tranchant.

Toutefois,  il est nécessaire de savoir que l’appellation « sabre japonais », « nihonto » en langue nippone, désigne, regroupe l’ensemble des lames de fabrication japonaise. En effet il existe plusieurs types de sabres japonais, variant les uns des autres par leurs tailles, leurs usages… Par ordre alphabétique nous avons :

Le dotanuki : qui se distingue du katana de par son poids, il pèse systématiquement plus de 1000 grammes et cela sans inclure le poids du fourreau, et sa lame épaisse non stratifiée. Ce sabre antérieur au Katana a été conçu afin de trancher sa cible en un seul et unique coup.

Le célèbre katana : il est la figure de proue des « sabres japonais », sa renommée n’est plus à faire au même titre que la qualité de sa lame, il est le type de sabre utilisé par les personnages du film mentionné plus haut. La longueur de la lame excède systématiquement les 60cm, il pèse généralement entre 800 et 1300 grammes, il peut se manier à une ou deux mains selon la technique des utilisateurs. Le Katana était l’apanage des samouraïs, qui le portaient à la ceinture.

Le kodachi

Il est l’aïeul du wakizachi avec lequel il est souvent confondu. En effet c’est une arme de petite taille comparée à ses congénères : elle n’excède pas les 65cm. Sa lame est incurvée et en général on s’en sert par paire.

Le nagamaki ou nagamaki naochi : est un très grand sabre ancestral (la lame pouvant atteindre 90 cm et le manche 120cm) Malgré son impressionnante taille, ce sabre souvent assimilé à une lance est bien une arme de poing destinée aux combats rapprochés.

Le naginata : est un très vieux sabre japonais, assez atypique. En effet il se compose comme tous ses congénères d’un manche d’une garde et d’une lame à la différence près que, et à l’instar des nagamaki, le manche se révèle être beaucoup plus long que la lame de constitution courte et épaisse. Cette arme très prisée sur les champs de bataille servait, notamment, à couper les jarrets des chevaux.

Le nodachi : Très Grand sabre japonais (lame de plus de 100cm de long) dont l’utilisation requiert les deux mains. Forger un nodachi est extrêmement coûteux à cause de sa taille. Son utilisation sur les champs de batailles a été délaissée au fil du temps au profit du katana, le transformant ainsi en arme d’apparat.  Contrairement à ses congénères qui se portent à la ceinture lui se porte à l’épaule.

Le tachi : est l’ancêtre du katana, sa lame incurvée mesure environ 70 cm.  C’était une arme particulièrement adaptée aux soldats montés.

Le tanto est souvent assimilé à une dague ou un poignard de par sa taille ; en effet il ne mesure jamais plus de 30 cm. Néanmoins il reste un membre de la grande famille des sabres car il en possède les caractéristiques que sont le tsuba, le saya et la lame forgée selon les techniques propres aux sabres japonais.

L’ushigatana : est sabre très incurvé à la base de la lame. Sa taille varie le plus souvent entre 60cm et 90cm. Il était très peu estimé à cause de la qualité médiocre de sa lame. Pour cette raison il était réservé aux simples soldats.

Le wakizashi : de tous les sabres japonais, il est celui qui se rapproche le plus du katana avec lequel il forme, par ailleurs, le « daisho », les armes du samouraï. En effet sa morphologie en fait un « petit katana » : sa taille est comprise entre 30 et 60 cm.

Le yari : Sorte de grande lance japonaise dont la taille varie entre 200cm et 400cm et dont les lames sont droites ou en forme de croix.

Les différents types de sabres constituent une famille d’armes (car on retrouve toujours le même type de construction, manche, garde, lame et fourreau) plus ou moins anciennes et de tailles variables. Cette variation de taille est souvent due au fait que certains sabres étaient destinés à des rôles spécifiques.  Pourtant, force est de reconnaître qu’au fil des années certains sabres ont été moins utilisés puis ont finit par ne plus l’être, tout simplement parce qu’ils ont fini par se révéler obsolescents, voire inutiles, les guerres devenant de plus en plus rares et les forgerons de plus en plus perfectionnés dans la réalisation d’armes efficaces (poids du sabre, tranchant des lames, aspect esthétique…)

Vous voilà à présent plus édifiés, j’ose l’espérer, sur les sabres japonais qu’avant la lecture de cet article.

京都ツラヂチョンでまたね。

(à bientôt sur Kyototradition ! )

image du katana : renfield

image du wakizashi : renfield

L'équipe s'agrandit. Mais ne ressemble pas encore à cela.

L’équipe de Kyototradition s’agrandit avec l’arrivée de deux nouvelles personnes, qui resteront un an : bienvenue à Jolan et Romain !

Beaucoup de changements à venir lors de ce mois de juin ! Alors qu’une migration de serveur et de plate-forme de e-commerce se préparent (Prestashop pour Magento), l’équipe s’agrandit avec l’arrivée de deux nouveaux, qui resteront pendent un an. Je vous les présente donc rapidement, vous les découvrirez mieux à travers leurs articles à paraître prochainement.

Romain et Jolan sont deux étudiants d’Euromed, l’école de commerce de Marseille. Dans le cadre de leurs études, ils doivent réaliser des « pro-act », des sortes de projets associatifs ou d’entreprise. Ils ont choisi de travailler pour Kyototradition (et ont été choisis parmi de nombreux très bons candidats) et vous pourrez donc lire leurs articles régulièrement. Leur venue, ainsi que les changement techniques, le nouveau design et la Japan Expo, doivent permettre à Kyototradition de passer un palier pour devenir la référence française pour les produits artisanaux japonais.

Romain travaille plus précisément sur le référencement de Kyototradition et Jolan sur l’ergonomie du nouveau design. Les jours qui viennent seront donc marqués par de nombreux changements, et nous nous excusons d’avance de la gène occasionnée. Tout cela a évidemment pour but d’améliorer notre service dans un futur proche.

N’hésitez pas à commenter les articles à venir de Romain et Jolan pour les aider à progresser et à trouver leur style et leur place dans ce blog. Leurs deux premiers articles seront sur la cérémonie du thé et sur les différents types de sabres. Un beau programme en perspective !

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Photo : txarli